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Melancolia e revoltaO colapso do sonho americano expresso pelo jazz na década de 50
Em plenos anos dourados da expansão econômica dos Estados Unidos, o jazz, criação tipicamente americana, expressa o nível da crise em que está imersa a sociedade, desde a melancolia expressa pelo cool jazz, até o grito de revolta do hard bop, prenunciando já o início das mobilizações pelos direito civis na América.30 de setembro de 2007
Em uma América triunfante, que vive os anos de ouro de sua expansão econômica após o final da Segunda Guerra, o estado de espírito da população não é dos mais sóbrios. A Guerra Fria, e a política impulsionada pelo macartismo, é sua manifestação mais extrema. Está latente no país um problema social geral. Juntamente com a reação política que se seguiu à guerra, o crescimento econômico do país gerou todo um conservadorismo entre as camadas médias da população. A falta de qualquer perspectiva progressista, tanto política como social, cria na América toda uma situação de incerteza e insegurança que geram por um lado a revolta dos setores mais oprimidos da sociedade, e por outro desencadeia toda uma crise moral entre diversos setores da classe média da população, em especial entre a juventude.
No momento em que vai se materializando os primeiros sons desse novo jazz que ergue-se como a voz de toda uma geração que foi testemunha da guerra mas não a viveu. Brancos e negros ressentem-se com a mediocridade da vida nesse pós-guerra, cujo sentimento predominante é o desencantamento. A guerra torna muito claro o quão revoltante era o tratamento que os Estados Unidos dava aos seus cidadãos negros. Os soldados negros que chegavam como heróis após o esmagamento do nazismo, logo voltavam a receber o mesmo tratamento humilhante de antes.
A principal preocupação da população negra, nesse sentido é o de conquistar o simples direito de receber um tratamento digno dentro de seu país, tendência que será expressa pelos jazzistas negros. Enquanto que os músicos brancos se sentem frustrados e sem perspectivas, motivados muito mais pela ausência de um motivo válido para levar a vida adiante do que devido a qualquer calamidade social. Os primeiros são levados à cólera e à revolta; os segundos a uma crise existencial, imersos em uma espécie de melancolia.

As inovações do bebop

Nos primeiros anos da década de 1940, havia surgido um grupo de músicos que operaram uma verdadeira revolução dentro do jazz, que iria influenciar todos os desenvolvimentos posteriores do estilo. Seus principais representantes eram Charlie Parker, Dizzy Gillespie e Thelonious Monk. Até então, o cenário estava dominado pelas grandes orquestras de swing que haviam se transformado em negócios rentáveis. Alguns jovens músicos que trabalhavam nessas orquestras não aspiravam somente por aumentar suas oportunidades dentro do mercado, mas buscavam na música um espaço para desenvolverem seus estilos pessoais. Sentindo que o swing estava cada vez mais se encaminhando para uma série de clichês e solos previsíveis, esses jovens músicos, se reuniam paralelamente em bares para tocarem em improvisos durante noites inteiras e onde travavam verdadeiros duelos musicais. Nesses locais, eles experimentavam acordes mais sofisticados e improvisos mais arriscados. São nesses ambientes que começam a surgir as primeiras manifestações do bebop e em torno de 1945, o cenário do jazz já estava irremediavelmente modificado com a rápida ascensão do estilo. O bebop desenvolveu uma música brilhante, porém exigente. Notavelmente complicada, rápida e furiosa. Melodias conhecidas e sons conjuntos não faziam parte de seu repertório. Tudo dependia de inspiração, de habilidade e do virtuosismo do solista. Em sua oposição às grandes orquestras, o bebop privilegiava as pequenas formações, como trios e quartetos, além dos solistas. Alguns ouvintes ficavam sinceramente horrorizados com o que viam. Aquela não era uma música feita para animar pistas de dança.

Surge um jazz sensual
A partir da década de 1950, os músicos mais jovens ainda veneravam Parker e Gillespie, mas alguns também começaram a buscar formas de manter firmes as inovações do bebop, enquanto procuravam restaurar o que eles consideravam o equilíbrio entre os solistas e os grupos. "O público pode ser restabelecido se fortalecermos a nossa obra com estrutura", dizia o pianista John Lewis.
Nesse sentido, o estilo cool apareceria como uma reação contra os andamentos acelerados, a proliferação de sincopas e de complexas idéias rítmicas e melódicas presentes no bebop. Mais do que isso é o reflexo de uma modificação do estado de espírito dessa geração do pós-guerra, que havia se formado dentro da escola do bebop, mas que agora buscava sua própria expressividade.

A história do jazz, desde seu início sempre foi marcada pelo contraste entre um jazz mais explosivo, “quente”, marcado principalmente pela influência africana, corrente em que se vincularia o blues, os espirituais, o jazz de Nova Orleans, Louis Armstrong, Coleman Hawkins, o bebop, etc; e um jazz da modulação, mais introspectivo, tranqüilo, em que domina a influência européia, e teria como exemplo o ragtime, a escola de Chicago, Bix Beiderbecke, Lester Yourg, etc. Sendo que pode ser considerado um exemplo da síntese dessas duas filiações, a música de Duke Ellington.
Obviamente, o cool jazz pelas suas características, vincula-se à segunda corrente.

Apesar da grande diferença entre os estilos pessoais, podemos encontrar algumas características em comum para definir a estética desse grupo de músicos, que vai de Miles Davis à Stan Getz, passando por Lennie Tristano e Dave Brubeck. Todos eles, além de quererem assegurar as inovações do bebop, também buscavam uma espécie de reabilitação da melodia. Pretendiam que esta fosse mais introspectiva e sedutora.

Houve nessa época, durante vários anos, uma recusa do jazz “gritado”, expansivo; mais exatamente, uma recusa da frase distinta e do vibrato. Os músicos procuravam recuperar o público que fora perdido, não através da espécie de expressionismo instintivo que caracterizou durantes muitos anos o jazz, mas sim utilizando de uma sedução insinuante e sensual. Onde uma nota em si mesma adquiria tanto valor quanto toda uma frase. Mestres de seus instrumentos, eles conseguiram facilmente imprimir-lhes uma "coloração" que, salvo algumas exceções, era em geral bastante mórbida.
Esta ênfase na melodia iria ter resultados importantes. No plano melódico os músicos cool não inovaram, contentando-se simplesmente em improvisar sobre as harmonias já existentes e explorando as descobertas dos bopers, já no plano rítmico a evolução foi sensível. Os bateristas sentiram a necessidade de encontrar um pulsar mais simples, menos guiado pelas pesquisas polirítmicas. Ao mesmo tempo, tentaram alargar a sua paleta integrando no jazz métricas pouco habituais na época. Estes experimentos se tornaram possíveis na medida em que os outros músicos, preocupados com suas descobertas melódicas, não exigiam que o baterista lhes assegurasse um tempo regular.
Preferiam muito mais um ritmista cujo discurso se comunicasse intimamente com sua expressividade.

Os músicos negros em geral reagiram contra esta nova estética, certamente em decorrência da maioria destes músicos do cool jazz serem brancos que ganhavam muito bem a vida. Mas sobretudo devido ao fato de que essa música não correspondia de forma nenhuma com seu universo. Miles Davis foi um dos raros negros a se utilizar dessa expressividade e a transforma-la em uma linguagem que lhe era adequada.

O nascimento do cool
No outono de 1949, em Nova Iorque, um fluxo constante de músicos freqüentava o porão em que ficava o apartamento do compositor-arranjador Gil Evans. A porta dele ficava aberta 24 horas por dia e entre os freqüentadores que passavam por lá para uma jam session, estavam alguns dos mais talentosos jazzistas da época, como Jarry Muligan, Lee Konitz e John Lewis. O parceiro favorito de Evans era o jovem trompetista Miles Davis. Um inovador impaciente e incansável. Dois anos antes, quando Charlie Parker formou sua banda, ele escolheu Miles Davis para ser seu trompetista. Davis, na época com vinte anos de idade, se viu diante de um dilema. Não possuindo o virtuosismo de seu ídolo Dizzy Gillespie, de poderia reproduzir em seu instrumento um acompanhamento musical similar aos solos de Parker. Teve assim de desenvolver seu próprio estilo de execução. Davis fazia com que cada nota ressoasse, parava no registro médio e tocava num estilo tranqüilo, que contrastava com as incendiárias improvisações de Parker. Essa combinação de estilos foi bem sucedida. Um ano depois, Davis ficou amigo de Gil Evans que escrevia músicas regularmente para a “Claude Thornhill Orchestra”. Evans, era o pianista da banda de Thornhill, e tinha como principal característica, a utilização de formações pouco usuais, como um par de corne francês ou uma tuba como instrumento melódico. Com um repertório que incluía arranjos de swing, baladas e bebop, ela se tornou um conjunto memorável que serviu de base e inspiração para o surgimento do cool jazz.
Quando Miles Davis pôde comandar suas primeiras sessões de gravação independentemente de Parker, ele liderou um grupo nada convencional composto por nove integrantes que continha tuba e trompa. Deste noneto participavam solistas que viriam a ter grande influência no cool como Lee Konitz e Gerry Mulligan. A banda, que foi chamada de "The Birth Of The Cool Nonet", tocou para o público somente durante a folga de duas semanas de Count Basie no Royal Roost em 1948, e ano seguinte gravou já uma dúzia de músicas para a gravadora Capitol. Ela lançou seus trabalhos em um LP chamado “Birth of the Cool”, e que hoje é considerado um marco na história do jazz.
Um outro influente grupo de jazz dos primeiros anos do cool foi o do pianista Lennie Tristano. Que foi uma espécie de mentor para os seus músicos. Tristano trabalhava com longas linhas melódicas ausentes de vibrato, utilizava avançados refrões improvisados e mantinha o baixista e o baterista contidos numa marcação rítmica calma, mas intensa. Ao lado do sax-altista Lee Konitz, do tenorista Warne Marsh e do guitarrista Billy Bauer, Tristano realizou algumas das mais importantes gravações de 1949. Os uníssonos bem colocados feitos pelos saxofonistas, seus timbres nada usuais e alguns acentos pouco previsíveis tornaram únicas a sonoridade de sua música.

O estilo West Coast

À parte da atuação do grupo de Miles Davis em Nova Iorque, a principal linha de desenvolvimento do cool jazz, se deu na Costa Oeste dos Estados Unidos, justamente por esse motivo, conhecido como estilo West Coast.
Na Califórnia existia já desde 1948, grandes orquestras brancas, como as de Stan Keaton, mas sobretudo a de Woody Herman, que foram cruciais para o surgimento do estilo. A formação “Four Brothers”, reunia uma seção de saxofones composta por Stan Getz, Zoot Sims, Herbie Stewart, no sax tenor, e Serge Chaloff, no sax barítono; marca de certa forma o nascimento do jazz west coast.
Algumas das mais freqüentes críticas que o jazz west coast sofreu durante os anos, era a de que o estilo não tinha “sangue”, que era conservador e até a de que era muito “branco”. A polarização de opiniões foi beneficiada pelo fato dos estúdios serem extremamente segregados, e fechando as portas para boa parte dos músicos negros, ao mesmo tempo em que era nítido o abandono dos clubes negros da Central Avenue, na Califórnia
O estilo ganhou uma grande publicidade durante a primeira metade da década de 50, levando a inúmeros protestos por parte de escritores e dos músicos que foram excluídos pelo sistema. Houveram no entanto alguma poucas participações negras nesse movimento, como a do pianista Hampton Hawes, o flautista Buddy Collette e o baterista beboper Max Roach.
O cool jazz decolou realmente quando o baritonista Gerry Mulligan começou a tocar no Haig's em 1952 com um quarteto sem piano, do qual também participava o trompetista Chet Baker. Mulligan gostava do grau de liberdade que o grupo tinha com a ausência do piano.
Foi sucesso da versão de "My Funny Valentine", que fez Mulligan e Baker famosos. Mais tarde, o pianista Dave Brubeck, se tornou um fenômeno de popularidade juntamente com o sax-altista Paul Desmond no seu famoso quarteto. Quando o grupo começou a se apresentar em universidades alcançou um público totalmente novo para o gênero. O estilo de Brubeck se caracterizava pelos vôos seus politonais e polirrítmicos, no piano, e era freqüentemente censurado pelos críticos conservadores que acreditavam que os pianistas deveriam soar como um Bud Powell, mas os poderosos refrões que executava eram bem distintos e eram o complemento perfeito aos criativos solos de Desmond. Brubeck alcançou o topo de sua popularidade com o álbum “Take Five”, em 1954, quando chegou a vender 1 milhão de cópias. Nunca antes um álbum de jazz havia vendido tanto.O crítico Gary Giddins comenta sobre o jazz west coast, que “era tão sereno que parecia o Oceano Atlântico. Como as ondas, o ar varrendo a Costa Oeste, e os jovens adoravam. Tornou-se muito popular nos campi. A revista “Time” fez uma matéria de capa a respeito e surgiu assim o novo movimento ‘cool jazz’ e o ‘west coast jazz’”.
Na metade dos anos 50 o cool jazz vivia o auge de sua popularidade, entretanto, na segunda metade da década, a música mudou radicalmente de rumo, começavam a surgir novos estilos de jazz e por volta de 1960 o cool já não era mais o estilo de referência.